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Le Romeo’s : premier Musée d’Art Urbain au Canada

Un nouveau musée montréalais a ouvert ses portes : il s’agit du Romeo’s.

Situé dans le mile end ce musée est le premier musée d’art urbain au Canada.

Tu n’auras jamais vu une cage d’escalier aussi invitante ! Car ce nouveau musée est situé au sein d’une cage d’escalier.

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Le musée Romeo’s permet de réinventer les escaliers de secours. En effet, souvent les gens prennent les escaliers pour se rendre d’un point A à un point B et n’apprécient guère leur traversée au sein de cet espace transitoire, vide et blanc.

Les escaliers du 5445 et du 5455 de Gaspé : plus qu’un simple espace de transition.

Ce projet permet de rendre des escaliers moins ennuyeux et ainsi d’inciter les gens à plus prendre les escaliers. Fini les couloirs blancs et les murs dont seul le numéro change entre chaque étage.

Vous l’aurez compris ce musée n’est pas un musée comme les autres…

De plus, il est situé dans un édifice qui comporte de nombreux bureaux.

Réaliser un musée dans une cage d’escalier contribue à promouvoir l’art urbain.

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Les édifices du 5445 et du 5455 de Gaspé comportent 24 murales. Elles ont été réalisées par 24 talentueux artistes montréalais.

On retrouve les oeuvres de Stikki Peaches, Pony, Bryan Beyung, Alexandra Levasseur, Fonki, Dalkhafine, Antoine Tava, Mono Sourcil, Whatisadam, Heidi Taillefer, Rafael Sottolichio, Os Cane, Pat Cantin, Annie Hamel, Jonathän Jouan, Roxy Peroxyde, Santerre, Anne-Laure Djaballah, Boris Pintado, Melissa del Pinto, Eberhard Froehlich, Cyndie Belhumeur, Meka et Amélie Tourangeau.

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D’ailleurs Nicolas Duvernois, le président et fondateur de Pur vodka, et qui est également à l’origine de ce projet explique que les 24 artistes ont jouit d’une totale liberté d’expression et de création au sein de leur travail. Cette liberté artistique est parfois entachée. Notamment lors des festivals ou les commanditaires « souhaitent en avoir pour leur argent. »

Enfin, la méga nouvelle dans l’histoire c’est que le musée Romeo’s est ouvert à tous… Et surtout il est gratuit.

Quoi de mieux pour démocratiser l’art que de le laisser ou de le rendre accessible?

C’est donc une opportunité de découvrir les facettes et la créativité de l’histoire de l’art urbain montréalais, en dehors des festivals Mural et Underpressure.

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La seule critique que l’on pourrait exercer par rapport au Musée Romeo’s ce serait l’accessibilité aux personnes en fauteuil … puisqu’il est situé dans des escaliers !  En revanche, les personnes en fauteuil roulant pourraient tout de même prévoir une visite et prendre l’ascenseur entre chaque étage. La visite serait un peu plus longue, mais pas totalement impossible.

Crédit Photos : Romeo’s

Restez à l’affût ! D’ici quelques jours, je vous dévoilerais les photos de ma visite.

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Le Totem sonore de Claire Barrera

Cette semaine, ma super collaboratrice Claire qui vous propose régulièrement des Do It Yourself (DIY) sur le blogue expose une de ces créations les plus cool, vous allez adorer!

À Bordeaux dans l’espace 5UN7, situé au 57 rue de la Rousselle, vous aurez la possibilité inédite de découvrir et de jouer de la musique avec son totem sonore.

Avec ce totem sonore, vous aurez la possibilité de créer différentes combinaisons :

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Ainsi vous pourrez créer des combinaisons à la fois visuelles, grâce aux formes et aux sublimes couleurs pastels des objets composant le totem, mais aussi sonores. Car, chaque pièce est associée à un son particulier, qui est joué en boucle. Ainsi, en superposant les éléments vous composerez de la musique. À l’inverse, si vous retirez les éléments, le son s’arrêtera, comme par magie!

 [ Monte le son !!  ]

Pour les plus geek d’entre vous qui sont déjà en train de se demander comment ce système fonctionne… Et bien sachez, qu’au centre de la table il y a une sorte de balance qui fait office de réceptacle. Chaque pièce qui est posée dessus a un certain poids. La balance mesure alors le poids de la pièce ajoutée, puis elle transfère l’information à un ordinateur via une carte Arduino. Ensuite, c’est le logiciel Max qui prend la relève et qui se charge de lancer les sons.

Le totem sonore est un peu comme une table de mixage où l’on rajoute des couches et des samples.

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Alors amis ou lecteurs bordelais ou de la région, dépêchez-vous bougez-vous car vous allez avoir vraiment du fun!

Ce sera aussi l’occasion de découvrir le travail de plein de jeunes talentueux artistes.

En effet, cette exposition est une exposition collective qui vous permettra d’apprécier le travail de Mélanie Beaune, Adrien Défago, Morgane Guiomar, Justine Mallo, Maddy Moret, Jeanne Piau, Johanna Rott et Laure Subreville! Alors rendez — vous au vernissage le 29 juin, dès 19 h pour découvrir le travail de ces artistes ingénieux.

✌🏼

 

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Les affiches des illustrateurs les plus cool en édition limitée chez Ikea

Changez-vous fréquemment de déco?

J’aime changer mon intérieur régulièrement, le faire évoluer au fil des saisons et de mes humeurs. Pour changer de décoration régulièrement, mais je ne refais pas tout de A à Z, à chaque fois. En fait, je joue plutôt sur les accessoires. Je remplace une housse de coussin, ou encore un cadre. Ces petits éléments contribuent grandement à changer un décor. Alors si vous aussi vous souhaitez un peu de changement dans vos intérieurs, j’ai un super plan : dès demain, Ikea lance une édition limitée en collaboration avec 12 illustrateurs plus talentueux les uns que les autres!

Ikea continue de m’épater

C’est la dernière actualité du géant suédois. Ikea a noué un partenariat avec 12 artistes illustrateurs internationaux. Chacun d’eux a pour l’occasion créé une affiche graphique inédite.

Cette collection spéciale s’appelle ART EVENT 2017.

Elle regroupe le travail de Micha payer et Martin Gabriel, Amit Greenberg, Hell’O, Koen Taselaar, Hahan, Ragnar Persson, Yasuto Sasada, Amandine Urruty, Joanna Concejo et Steven Harrington. (cliquer ici pour voir l’ensemble de la collection en détails)

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Un partenariat aux avantages réciproques :

Je trouve ça plutôt cool ce genre de partenariat. Il a pour but de démocratiser le dessin auprès du grand public comme l’a déclaré Henrik Most, le responsable créatif : « Nous avons une vision très forte et très simple de l’art chez IKEA, à savoir qu’il doit être abordable — accessible au plus grand nombre — et qu’il a sa place chez les gens et pas juste dans les galeries ou les musées ».

 

Parmi tous ces talents, il y en a deux que j’affectionne tout particulièrement et dont je suis le travail depuis longtemps.

Le premier illustrateur que j’admire depuis longtemps c’est le talentueux Jean Jullien :

illustrateurs-affiches-edition-limitee-art-event-ikea-2017-Jean-JullienSon nom ne vous dit peut-être pas grand-chose, mais son coup de crayon vous est sûrement familier. Il collabore avec de nombreux journaux comme Fricote, The Guardian, Le New Yorker ou le New York Times. Il prête également son pinceau pour la réalisation de pubs ou sur des fringues. Cet artiste est partout! Vous avez aussi sans doute dû découvrir les dessins qu’il a faits en réponse aux attaques terroristes de Paris. Ces dessins aux messages simples et directs ont rapidement fait le tour de la toile.

Jean Jullien est un artiste qui s’inspire littéralement du monde qui l’entoure. Il dessine souvent des bonshommes cernés de noir, c’est sa petite touche à lui. Et, c’est avec ce trait brut qu’il parvient à communiquer de façon authentique et directe. Ces thèmes de prédilections sont l’actualité, mais plus globalement l’individu dans son rapport la société ou aux réseaux sociaux. Jean Jullien est un artiste qui s’inspire de son univers quotidien, et qui détourne des objets de façon brillante. Son travail est souvent teinté d’humour.

C’est le cas notamment de l’affiche qu’il a créé pour Ikea. Elle s’appelle « Shelfie ». Derrière ce jeu de mots, l’artiste fait référence au film Fightclub de Chuck Palahniuk, et plus particulièrement à une des répliques phares du film « les choses que tu possèdes finissent toujours par te posséder ». Jean Jullien a choisi d’illustrer cette réplique littéralement, en dessinant un homme articulé de façon à soutenir tout ce qu’il (le) possède.

Bref, j’adore son sens de l’autodérision et c’est pourquoi je vous conseille vivement de le suivre sur instagram pour apporter dans votre quotidien une bonne dose d’humour et une petite touche de poésie.

Vous pouvez aussi visiter son site ici pour en découvrir plus sur son travail!

 

Le second c’est le collectif  HELL’O :

illustrateurs-affiches-edition-limitee-art-event-ikea-2017-HelloJ’ai découvert le travail de ce collectif il y a quelques années dans une charmante librairie à Lyon. J’avais acheté leur livre « Deaf Dumb and Blind » un superbe livre, qui regroupe une part de leurs œuvres.

Hell’O, ce sont deux artistes bruxellois au talent remarquable. Derrière ce nom jovial, il y a deux Jérôme Meynen et Antoine Detaille.

Ils ont un style très reconnaissable basé sur un univers surprenant et densément peuplé de personnages en mutation. Ils ont un grand souci du détail, ce qui leur permet d’élaborer un univers surréaliste unique et fantastique, rempli de créatures hybrides et références cachées.

Pour Ikea ils ont créé l’œuvre « We are one ». À l’image de leur univers on retrouve un mélange des créatures. « Le résultat est très coloré, avec beaucoup de motifs issus à la fois de la culture tribale africaine, du mouvement Memphis et de la culture pop. »

 

Ne rate pas l’opportunité de pouvoir t’offrir des affiches d’illustrateurs à un prix ultra abordable.

Elles seront commercialisées dès demain dans les magasins bleu et jaune! Mais pour refaire votre déco, il va falloir faire vite. Car cette série est limitée! Alors premiers arrivés premiers servis!

Et, vous quels sont vos illustrateurs préférés? Figurent-ils parmi la sélection?

Enfin, si vous êtes graphistes, illustrateurs ou artistes que pensez-vous de cette démocratisation?

Aimeriez-vous être édité par Ikea?

Que pensez-vous du discours de Ikea sur le fait que l’art doit être accessible?

 

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Vent de fraicheur sur la nature morte

Mon dernier petit coup de cœur. Il s’agit du travail de la photographe Maud Rémy-Lonvis. Photographe dans l’âme elle se consacre à sa passion depuis ces 15 ans. Éprise de nature morte elle poursuit ses études dans la prestigieuse école des Gobelins, à Paris. Au cours de ces années d’études, elle perfectionne sa technique, mais aussi elle affine et aiguise son regard.

Mais souvent quand on dit, nature morte, on pense plutôt aux tableaux de la Renaissance, qu’a quelque chose de contemporain…C’est pourquoi il est temps de redéfinir ce qu’est une nature morte.

Une nature morte c’est quoi ?

C’est avant tout une représentation d’un ou de plusieurs éléments inanimés. Si lors de la renaissance les sujets de prédilection, étaient souvent des compositions florales, des bouquets de fleurs, des corbeilles de fruits, des coquillages, ou des échoppes de bouchers… aujourd’hui les sujets ont un peu évolués, mais il s’agit toujours de présenter et mettre en scène des objets.

La nature morte un sujet classique, mais aussi un sujet de prédilection depuis les origines de la photo.

La photographie de nature morte n’est pas un art si simple qu’il n’y parait.

En effet, la photographie de nature morte permet un d’avoir un temps de préparation et le sujet photographié est inerte. Cependant il n’en reste pas moins être un art difficile à maitriser. Il faut à la fois, avoir un regard particulier sur l’objet photographié choisir la bonne composition, maitriser la lumière, etc. Mais le plus difficile, c’est sans doute d’avoir un bon parti pris pour présenter à la fois quelque chose d’original et de visuellement séduisant.

 

Une simplicité savamment travaillée

Maud Rémy-Lonvis a donc a appris et intérioriser les codes de la nature morte de façon à pouvoir en jouer. Et c’est avec très peu d’éléments qu’elle parvient à démontrer et sublimer les objets qu’elle shoote. Ses photographies sont toujours dénuées de tout ornement superflu, mettant ainsi l’emphase sur l’objet.

Ces natures mortes sont caractérisées par un dépouillement soigneusement établi, qui permet de mettre en avant l’objet et de révéler les aspérités de celui-ci grâce à des jeux de lumière subtils. Maud Rémy-Lonvis exploite à merveille la lumière. Elle ne cesse de jouer, avec les ombres et la diffraction. Cette approche particulière de l’objet, en fait sa marque de fabrique.

 

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Selon la particularité de sujets, elle n’hésite pas à faire des gros plans, pour mettre en valeur des différents motifs.

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Des clients illustres :

Désormais, elle est représentée par Iko (un collectif d’artistes inspirants), et travaille pour de prestigieux clients, tels qu’hermès, Piaget, Louis Vuitton, Lacoste, Samsung, ou encore, M Le Monde, ou Air France Mag.

Vous aimez ?

Pensez à la suivre sur son Instagram !

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Du cuir à base algue? WTF ?

L’algue est un matériau aux qualités insoupçonnées :

On en consomme quotidiennement sans même s’en apercevoir. Et oui les algues ne sont pas que servies dans les restaurants japonais ou chinois. On en trouve dans des produits du quotidien comme dans les dentifrices, la charcuterie. On en retrouve aussi dans certains desserts sous forme de liant. Même si les algues font partie de notre quotidien nous ne les voyons pas. Car elles sont présente sous forme d’extraits.

Mais Julia Lohmann, une jeune designer s’est beaucoup questionnée au sujet des algues, et plus particulièrement des varechs. Julia Lohmann a été formée au Royal College of Art de Londres. Cette jeune créatrice s’inspire de la nature et du monde qui l’entoure pour ensuite questionner et réinventer les principes et les matériaux établis du design.

Ainsi dans son travail elle n’hésite pas à employer des matériaux inattendus ou sous-estimés, comme la bakélite ou encore les algues. Avec ses matériaux originaux, elle réalise des projets à la croisée du design et de l’art…

Des objets  jour à base d’algues :

Pour son projet de diplôme elle a présenté au jury des abats jour fait d’algues.

 

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Pour ce projet hors du commun, elle a utilisé des varechs. Ce sont des algues brunes. Elles sont présentes en quantité sur les côtes du nord des océans Atlantique et Pacifique, de la mer du Nord et de la mer Baltique.  Les agriculteurs les ramassent et s’en servent régulièrement d’engrais.

Difficile d’imaginer des algues, comme objet de décoration dans notre salon…

En effet, quand on pense à ces algues, on imagine instantanément les aspects dégoulinants et leurs odeurs nauséabondes. Or une fois séchées l’odeur des algues s’estompe puis disparaît. De plus, si les algues sont méticuleusement séchées elles sont ensuite facilement travaillable.

Utiliser la découpe laser pour effectuer une dentelle d’algues :

La découpe laser permet d’obtenir un rendu précis, raffiné et élégant. Elle permet de dessiner des motifs géométriques qui constatent avec le côté organique des algues.

Désormais, elle partage son temps entre Hambourg où elle enseigne aux Beaux-Arts et Londres, ou elle poursuit ses expérimentations avec des matériaux inhabituels.

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Le placage d’algues :

Voici un banc fabriqué à partir de 21 lames de placage d’algues. Le placage d’algues remplace le placage de bois traditionnel. Ce banc a été développé par Julia Lohmann dans le cadre de sa bourse de recherche offerte par la Galerie Stanley Picker à Kingston.

 

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L’algue, le matériau de demain ?

Julia Lohmann croit beaucoup en ce matériau et ces possibilités. Elle pense que les bandes séchées d’algues pourraient constituer une alternative au cuir, notamment pour fabriquer des accessoires ou des bijoux.

 

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Elle pense également que ce matériau pourrait remplacer le papier et le plastique pour fabriquer des objets comme ces abat-jours de lampes par exemple.

Cependant ce matériau dans sa forme actuelle présente quelques contraintes. En effet, pour avoir une grande surface les varechs doivent être cousus entre eux. Une fois assemblés il est alors possible de les travailler et de les transformer en objets, ou en accessoires!

Et vous que pensez-vous des algues? Vont-elles s’inviter dans nos intérieurs ou dans nos garde-robes?

En tout cas, Julia Lohmann est enthousiaste. Elle songe déjà aux impacts positifs que pourrait avoir l’utilisation d’algues. En tout cas, à défaut que ce matériau inattendu se fasse une place dans nos intérieurs, il a fait entrée au musée V & A à Londres.

Miloé, un univers archi détaillé !

Émilie Thieuleux dessine sous l’acronyme de Miloé. En premier lieu, Miloé, c’est une jeune designer française. Elle a été formée à l’École d’Enseignement Supérieur d’Art de Bordeaux (EBABX). Suite à l’obtention de son diplôme en design, elle s’est rapidement dirigée vers l’illustration. Dans ses dessins, on retrouve son univers fin, sensible et délicat.

Des illustrations pleine d’onirisme

C’est avec un style très personnel, qu’elle mélange pointillisme et dessin. Elle utilise la technique du stippling (l’équivalent français du pointillisme). C’est à dire, elle recrée les ombres et les volumes à l’aide de points plus ou moins gros et plus ou moins écartés les uns des autres. Bref, ici tout est affaire de trames pour une restitution parfaite des détails qui sont devenus sa marque de fabrique ses illustrations.

Finalement, je vous laisse découvrir la finesse de ces dessins au travers d’une sélection de ses illustrations. N’hésitez pas à jeter un œil sur sa page instagram ou sur son tumblr pour en découvrir d’autres.

 

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Enfin, bienvenue dans son monde. Un univers archi détaillé et plein de créatures farfelues!

Alors ces microcosmes vous plaisent? En fin de compte, ça me fait vraiment penser au poème de l’huître de Francis Ponge. Ça vous dit quelque chose ?

Vous pouvez consulter cet article qui analyse ce poème. Sinon, pour les plus littéraires, et les rats de bibliothèque, vous pouvez aller lire Le parti pris des choses.

Bonne lecture !